La idea de autor es vetusta y acaso exangüe. ¿Cómo no saberlo? El concepto labrado tantas décadas atrás por los jóvenes parisinos ha sido empleado ya fuera de lo que concierne al cine; así, su delimitación y su pertinencia requieren una aclaración. 

Aquí habría que decir que en la historia del Doc Buenos Aires el hecho de elegir autores, consagrados o desconocidos, reunir sus películas y considerar el conjunto para así comprender una estética y quizás también una inquietud ubicua en toda una obra, ya erigida o en plena evolución, ha sido un método de programación y también de estudio. Al pronunciar y hacer nuestra la política de los autores, mi antecesor Luciano Monteagudo sabía, y también lo sé yo ahora, que estamos eligiendo a un director entre otros prestándole atención a un rasgo distintivo respecto de su noción de puesta en escena, de la que se desprende una idea de cine y también de este en relación al mundo.

Quisimos repetir este año una de las apuestas de la edición precedente: el cine de Florent Marcie es de una singularidad indesmentible. Este hombre ha filmado el fenómeno de la guerra en nuestro presente en absoluta soledad y haciéndolo todo por sí mismo. Como decíamos el año pasado, su propio cuerpo es constitutivo de la puesta en escena, una extensión directa de una estética visceral. En todas sus películas se delinea una intuición que se confirma ampliamente en su reciente obra maestra, aún no estrenada, A.I. at War: la guerra ha dejado de ser la expresión del enfrentamiento entre un Estado-nación y otro; la guerra es otra cosa: un fenómeno disperso que puede afectar a las naciones pero que las trasciende. La guerra es un orden del mundo que afecta todo, tanto en el interior de la sociedad como por fuera de esta y en tensión con otras. En una pequeña escala, eso demuestra Marcie en sus películas.

Es difícil situar al cineasta británico Phillip Warnell en una tradición que explique el misterioso cine que viene haciendo desde hace ya más de una década. Se lo podría asociar a ciertos colegas suyos como Ben Rivers y también a viejos cineastas como Jean Painlevé (acaso menos antropológico que el primero y también menos científico que el segundo y sin duda más filosófico que ambos). La suya es una obra signada por la indagación. El trabajo en tres oportunidades en compañía del filósofo Jean-Luc Nancy es más que una coincidencia. Por indagación filosófica se quiere decir aquí una cierta curiosidad por la cual la cámara es concebida como una herramienta noble para lanzar preguntas en torno a lo real. Desde ya, cómo se filma un concepto importa tanto como qué se filma: lo que hace Warnell primero es cine y apenas después filosofía. Puede tratarse del cuerpo, la acción sobre este, lo extraño y lo propio y por ende los entresijos de la identidad; puede incluir subtemas que atañen a la lengua, el espacio y la época, la vida animal. Con Intimate Distances, Warnell se ha consolidado como autor. Nosotros llegamos en el momento exacto para simplemente afirmarlo sin titubeos.

La joven cineasta de Hamburgo Maya Connors suele intervenir imágenes de otros, añadir algunos planos suyos, trabajar con insistencia sobre la banda sonora y reformular el sentido de un plano a través de la palabra oral o escrita. Por momentos, sus películas son ensayos, por momentos, piezas breves de ciencia ficción; siempre son enigmáticas y jamás están disociadas del asombro y el terror.

Por su parte, en cada uno de sus cortos cubanos, el cineasta brasileño Otávio Almeida conjetura sin estridencias sobre el desajuste entre un país imaginario y otro, el real. El acostumbrado rigor formal de los egresados de la escuela de cine de San Antonio de los Baños y la propia sensibilidad del cineasta permiten apostar que este será uno de los autores del futuro. 

*Fotos: Warnell+Connors+Marcie+Almeida.

Roger Koza / Copyleft 2020